Caderno de Significados
É por demais evidente que
fazer fosquinhas
é uma expressão impressionante.
Porém,
num grande estardalhaço,
não é menos.
sexta-feira, 29 de setembro de 2017
quinta-feira, 28 de setembro de 2017
Sobre a exposição «Carlos de Oliveira: a parte submersa do iceberg». 18 de Março – 29 de Outubro, 2017. Museu do Neo-Realismo. Vila Franca de Xira. Curadoria de Osvaldo Silvestre.
Interessante o uso do texto «O Iceberg» (em «O Aprendiz
de Feiticeiro») para definir esse estrato estético que une e resume a obra de
Carlos de Oliveira.
Fala-se aí de tudo o que ficou por viver, por divulgar, por
comunicar, a poeira imensa e submersa, um passado ofendido pelo fascismo,
extinto, irrecuperável. E de um lado visível e presente do gelo que, por
somítico e frágil, jamais fará jus à ilusão da criatividade por cumprir.
A curta obra de Carlos de Oliveira torna-se paradoxo face à
imagem do oceano gelado. Porém, uma obra que traz o lastro incessante do apuro da linguagem, quantas vezes angustiado, que sempre o autor foi refazendo
e corrigindo, de edição para edição, todas seleccionadas entre a beleza da
forma para que salientasse a ideia poética. Edições de colecção, digamos.
Essa antítese de estilos está formalmente editada no
pequeníssimo Micro-Dicionário de Carlos de Oliveira. Na entrada para «caruncho»
lê-se:
«É o ruído de fundo que vem da madeira dos móveis no quarto,
assinalando o triunfo da devastação, por vezes de um assustador próximo do
gótico.»
Uma discreta micro-ideia que dá o mote à exploração de uma
obra maior.
A ideia poética em Carlos de Oliveira, nessa vertente de
constante luta pelo apuro da obra e pela necessária liberdade criativa é,
obviamente, política, aproximando-se da índole de José Cardoso Pires. Carlos de
Oliveira (e José Cardoso Pires) foi sempre esculpindo o imenso iceberg da
perfeição e da beleza.
Essa ausência de tempo afasta Carlos de Oliveira do
Neo-realismo e o devolve ao sentido de um espaço universal.
jef, setembro 2017
«Porta
A porta que se fecha
inesperadamente na distância
e assusta o romancista
que descreve o seu quarto de criança
(é difícil dizer
se os velhos arquitectos
que punham tanto amor
na construção do quarto
teriam ponderado com rigor
a escala deste som
e o espaço coagulado
ao fundo do corredor)
a porta que se fecha no passado
sobressaltando a escrita e o escritor.»
in «Sobre o Lado Esquerdo / Trabalho Poético» Assírio & Alvim, 1967 / 2003.
«Porta
A porta que se fecha
inesperadamente na distância
e assusta o romancista
que descreve o seu quarto de criança
(é difícil dizer
se os velhos arquitectos
que punham tanto amor
na construção do quarto
teriam ponderado com rigor
a escala deste som
e o espaço coagulado
ao fundo do corredor)
a porta que se fecha no passado
sobressaltando a escrita e o escritor.»
in «Sobre o Lado Esquerdo / Trabalho Poético» Assírio & Alvim, 1967 / 2003.
terça-feira, 26 de setembro de 2017
Sobre o filme «Arranha-Céus» de Ben Wheatley, 2015
O
Dr. Robert Laing (Tom Hiddleston) ascende, cheio de traumas do passado, aos
andares superiores de um edifício-estado imaginado por um arquitecto em estado
de desgraça (Jeremy Irons). Foge ele dos andares inferiores onde a média
burguesia vive, carente e decadente. O fim da história não tem fim quando
começam os cortes de energia.
De
Londres o filme pouco tem… De arquitectura distópica ainda menos… Da produção
sentida e rigorosa que me faz ir ao cinema por ser «inglesa», nada! Parece uma
comédia do burlesco com belos adereços e carros que saem dos anos 70 do século
passado. Porém, uma comédia sem graça que brinca com os estereótipos dessa
época, tanto humanos e sociais como estéticos e cinéfilos!
É
um pouco triste convocar e ao mesmo tempo aviltar a grata imagem que trago
memorizada e, por isso, sempre refeita, de «Weekend» de Jean-Luc Godard (1967);
«Laranja Mecânica» de Stanley Kubrick (1971); «A Aventura do Poseídon» de
Ronald Neame (1972); «A Grande Farra» de Marco Ferreri (1973) ou «Underground»
de Emir Kusturica (1995).
Recordo
ainda J. G. Ballard, de onde vem o argumento, mas o de «O Império do Sol» de
Steven Spielberg (1987) ou «Crash» de David Cronenberg (1996).
Por
que foi necessário esperar dois anos para exibi-lo nas salas de cinema,
em Portugal?
jef,
setembro 2017
segunda-feira, 25 de setembro de 2017
Sobre o filme «A Fábrica de Nada» de Pedro Pinho, 2017.
Quem
não vir este filme fica sem saber de que é feito o País.
É
estranho e belo. Diria, estranhamente triste mas amável com o que
aí vem, apesar de falar do passado e do presente de Portugal, da crise, do
capitalismo, da falta de trabalho, de dinheiro ou da sua ausência, da
mais-valia que só os homens conseguem descobrir na matéria-prima, das máquinas
que substituem aqueles mas acabam por não lhes restituir o tal valor
acrescentado. Apesar de falar do fim da autogestão por parte dos trabalhadores
e, consequentemente, do fim de uma ideia fixada no tempo sobre um antigo 25 de
Abril. Este filme não é piegas!
É
áspero e vital mas também, repito, amoroso e realista, como «A Terra –Torre Bela»
de Thomas Harlan (1977) ou «César Deve Morrer» de Paolo e Vittorio Taviani (2012).
Como alguns filmes de Fernando Lopes e mais recentemente os de Miguel Gomes.
É
uma dessas obras descobertas pelos recantos encantados, inteligentes e ternos
que o Cinema Português sempre esconde.
Mesmo
que tudo pareça estranho: a) A Póvoa de Santa Iria e o Tejo; b) a realização de
Pedro Pinho coadjuvado por Luísa Homem, Leonor Noivo, Tiago Hespanha, Susana
Nobre, João Matos, provocando um documentário sobre a autogestão de uma fábrica
de elevadores reais – a Fortleva; c) a ideia original abandonada por Jorge Silva
Melo sobre uma peça de Judith Herzberg; d) a produção em colectivo da
Terratreme Filmes; e) a tragédia social que, afinal, é uma comédia musical, tão
simples e clarividente, com bailado e cantoria dos operários e um punk
desabrido com cuspo, suor e “stage diving”, d) afinal, o amor e o romantismo
subliminares.
Sim, um filme sobre tudo e sobre a tal autogestão que se transforma na sua própria
autocrítica.
«A Fábrica de Nada» é essencialmente político, paradoxalmente juvenil, com a imagem do futuro para cartaz promocional.
«A Fábrica de Nada» é essencialmente político, paradoxalmente juvenil, com a imagem do futuro para cartaz promocional.
jef,
setembro 2017
«A
Fábrica de Nada» de Pedro Pinho. Com José Smith Vargas, Carla Galvão, Njamy
Sebastião, Joaquim Bichana Martins, Dinis Gomes, Américo Silva. Edição de Pedro
Pinho, Luísa Homem, Leonor Noivo, Tiago Hespanha, Susana Nobre, João Matos.
Ideia de Jorge Silva Melo sobre a peça de Judith Herzberg Portugal, Cores, 177
min.
terça-feira, 19 de setembro de 2017
Sobre o filme «Una - Negra Sedução» de Benedict Andrews, 2016
O
melhor do filme é mesmo o que lhe virá da peça de teatro «Blackbird» de David
Harrower. O tempo distendido e cenografia ampla, debruada a vermelho, construída
no interior de um angar-armazém de distribuição de correspondência postal.
Dentro
deste, numa cápsula envidraçada a servir de cantina, Una (Rooney Mara) confronta
Ray (Ben Mendelsohn) pelo trauma que a transtorna há 15 anos. Tinha ela 13 e era
seduzida por Ray, (agora Peter após quatro anos a cumprir pena por abuso de
menores), um vizinho adulto próximo e consciente do que significava ser seduzido e seduzir.
O
filme, construído por flasbacks fortes e luminosos, faz sobressair os dotes
dramáticos da jovem actriz Ruby Stokes (Una adolescente) num espaço igualmente distendido
pelos arcos musicais de Jed Kurzel, mas que não retira a estranheza da escolha
de Rooney Mara para actriz principal. Uma cara juvenil e torturada, embora estática, que bem
podia ser a jovem Una década e meia depois, mas onde falta a plasticidade dramática
que a história promete e a realidade exigiria. Devia a actriz ter carisma e
pulso para persuadir o espectador da tensão que se cumula à sua volta e
que explode na festa que Peter havia organizado com a sua mulher Yvonne (Natasha
Little).
No
interior do climax, Natasha Little é extraordinária nas poucas cenas que lhe
concedem – a incompreensão do seu passado oculto e a compreensão de um futuro
que em breve terminará, ao observar Una e Peter-Ray a despedirem-se para
sempre.
Nas cenas finais, uma espécie de iluminação da arte dramática.
jef,
agosto 2017
terça-feira, 12 de setembro de 2017
São os rios
Alcantilados vão os becos da cidade.
Sinuosos os desfiladeiros, fragas, janelas, derivando na
verticalidade das cegonhas negras e dos abutres do Egipto.
Águas fundas, finas, pegos e sargetas, ecoando risos ou
gritos de alerta, que as crias são já visíveis no ninho ou jogam à bola, lá
em baixo, pela rua.
Tudo tão perto e intangível como os carrascos que crescem no abismo do xisto ou o feto que se cravou, esporo ainda, no algeroz.
Azulejos ou rochas luzidias. Pensamentos parcos de coisa alguma, sem razão
magmática, mesmo assim, existentes.
O rio anda cravado nessa rua que vai fluindo de degrau em
degrau, afluentes de certa alma, urbana porque anseia o poiso de um voo
cansado, silvestre porque ainda não o encontrou.
jef, setembro 2017
segunda-feira, 11 de setembro de 2017
Dúvida sistemática
Enquanto preparava o polme das pataniscas, três
colheres de farinha, avantajadas, um ovo inteiro, leite quanto baste, pois só no
fritar a gente se entende, apenas três colheres que agora era só, o Augusto
tinha-se passado dali no último Inverno como diziam as séries americanas, a D.
Fátima perguntou ao Liru, o papagaio, que ia disfarçando, bico quase calado, a
entoar desalmadamente as cinco primeiras notas do Ó Rosa arredonda a saia:
«Mas afinal qual é a verdadeira diferença entre o erro e o
engano?»
jef, setembro 2017
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